10 Seniman Kontemporer Jepang Untuk Diketahui
Seni kontemporer Jepang kaya beragam, rumah bagi seniman perintis yang telah mengubah lanskap industri dalam skala global. Dari gerakan Superflat Takashi Murakami ke alam semesta bertabur poligon Yayoi Kusama, ke pendekatan kolaboratif dan performatif media visual dan penggunaan teknologi futuristik dalam praktik seni, kami menampilkan sepuluh seniman kontemporer Jepang yang harus tahu.
Chiho Aoshima
Seorang anggota perusahaan produksi seni Kaikai Kiki dan gerakan Superflat (keduanya didirikan oleh seniman Jepang legendaris Takashi Murakami), Chiho Aoshima terkenal karena mahluk-mahluk pop urbannya yang fantastis dan pemandangannya. Seorang otodidak yang mulai bekerja dengan seni grafis di pabrik Murakami, Aoshima menciptakan mimpi mimpi yang dihuni oleh hantu, setan, wanita muda, dan elemen alam. Karya seninya biasanya berskala besar dan dicetak di atas kertas dengan bahan-bahan seperti kulit dan plastik, untuk tekstur. Di 2006, Aoshima diproduksi City Glow, Mountain Whisper (2006) di stasiun Gloucester Road di London sebagai bagian dari Art on the Underground, di mana lengkungan platform 17 berevolusi menciptakan lanskap magis yang berangsur-angsur berubah dari siang ke malam, dari kota ke pedesaan. Karya tersebut menggambarkan dunia utopis Aoshima di mana waktu ditangguhkan dan makhluk organik adalah makhluk dengan benda mati.
Chiharu Shiota
Chiharu Shiota adalah seniman kinerja dan instalasi yang menciptakan instalasi visual skala besar yang spesifik lokasi. Inti dari praktiknya adalah tema ingatan dan pelupaan, mimpi dan kenyataan, dulu dan sekarang, dan konfrontasi kecemasan. Karya-karyanya yang paling terkenal adalah jalinan benang hitam tak tertembus yang melingkupi berbagai benda-benda rumah tangga, pribadi, dan sehari-hari, seperti kursi-kursi lama, piano yang terbakar, gaun pengantin, dan kadang-kadang artis itu sendiri. Labyrinth of Memory (2012) terdiri dari serangkaian gaun yang ditelan oleh benang hitam di mana-mana di begitu banyak karya-karyanya. Gaun-gaun ini dikandung sebagai "kulit kedua", keduanya membentuk dan menyempitkan tubuh. Kehadiran benang hitam dimaksudkan untuk menggambarkan dan menegakkan hubungan yang tepat ini. Pada musim panas 2014, Shiota diinstal Perspektif (2004), dibuat dengan lebih dari 300 yang disumbangkan sepatu disertai dengan catatan tulisan tangan dari masing-masing donor, yang menceritakan satu memori pribadi. Shiota kemudian menghubungkan sepatu itu dengan benang merah, masing-masing menggantung dari hook yang sama. Shiota mewakili Jepang di 56th Venice Biennale di 2015 dan pameran pertamanya di Blain Southern, Berlin yang dibuka selama Berlin Art Week di 2016 menyebabkan sensasi.
Ei Arakawa
Ei Arakawa terinspirasi oleh kondisi perubahan, periode ketidakstabilan, kecelakaan bahagia, dan elemen risiko. Potongan dan instalasinya melibatkan tema kolektivitas, persahabatan, keserentakan, dan improvisasi. Karya Arakawa hampir selalu kolaboratif, dan terlibat dengan elemen seni tontonan sosial - dari produksi hingga kehancuran. Kepekaan artistiknya diinformasikan oleh kondisi performatif, tak tentu, 'di mana-mana-tapi-tidak ada'. Karyanya muncul di tempat-tempat tak terduga secara internasional, berkembang biak melalui proses kolaboratif. Di 2013, karyanya dipamerkan di 'Kamikaze Loggia' (Georgian Pavilion) di Venice Biennale, dan dalam survei seni kontemporer Jepang berjudul Roppongi Crossing di Museum Seni Mori. Instalasinya Kehadiran Hawaii (2014) adalah proyek kolaborasi dengan artis yang berbasis di New York, Carissa Rodriguez untuk 2014 Whitney Biennial. Di Frieze London di 2014, Arakawa dan saudaranya Tomoo - bekerja sebagai duo dengan nama 'United Brothers' - mempresentasikan karya pertunjukan berjudul Apakah Soup Taste ini Ambivalen? di mana pasangan menawarkan sup kepada pengunjung, konon dibuat dengan akik daikon 'radioaktif' Fukushima.
Koki Tanaka
2015 'Artis Tahun Ini' dari Deutsche Bank, pendekatan visual Koki Tanaka mengeksplorasi komunitas dan berbagi pengalaman kreativitas dan imajinasi, mendorong pertukaran di antara para peserta sambil mengadvokasi aturan-aturan kolaborasi yang baru. Instalasinya di Paviliun Jepang 2013 Venice Biennale terdiri dari video dengan objek yang mengubah Paviliun menjadi platform untuk berbagi artistik. Video dan instalasi Tanaka mengeksplorasi hubungan antara objek dan tindakan, merekam gerakan sederhana yang dilakukan dengan barang-barang sehari-hari seperti pisau memotong sayuran, bir yang dituangkan ke dalam gelas, dan pembukaan payung. Tidak ada yang besar yang terjadi dalam video ini, namun pengulangan kompulsif dan perhatian pada detail menit memaksa pemirsa untuk menilai duniawi.
Mariko Mori
Mariko Mori menciptakan karya multimedia dalam video, fotografi, media baru, dan seni instalasi. Dia mengekspresikan visi minimalis dan futuristik melalui bentuk-bentuk yang ramping dan sureal. Tema yang berulang dalam karya Mori adalah penjajaran mitologi Timur dengan budaya Barat, seperti yang terlihat dalam gambar berlapis-lapisnya. Mori menjadi terkenal dengan Gelombang UFO, yang memulai debutnya di Kunsthaus Bregenz, Austria di 2003. Selanjutnya, karya ini melakukan perjalanan ke New York dan kemudian dimasukkan dalam 2005 Venice Biennale. Di 2010, Mori mendirikan Faou Foundation, sebuah organisasi nirlaba pendidikan dan budaya di mana ia mendedikasikan serangkaian instalasi seni permanennya yang serasi dan sesuai untuk menghormati enam benua yang bisa dihuni. Baru-baru ini, sebuah instalasi permanen Faou Foundation berjudul Cincin: Satu dengan Alam telah dipasang di atas air terjun yang indah di Visconde Mauá di Resende, tidak jauh dari Rio de Janerio.
Ryoji Ikeda
Ryoji Ikeda adalah media baru dan artis suara yang karyanya terutama terlibat dengan suara di berbagai 'mentah' negara - dari nada sinus ke suara - menggunakan frekuensi di tepi jangkauan pendengaran manusia. Penampilannya dan instalasi imersif terdiri dari suara yang dihasilkan komputer yang mengubah secara visual menjadi proyeksi video, atau pola digital. Karya audiovisual Ikeda menggunakan skala, cahaya, bayangan, volume, bayangan, suara elektronik, dan ritme untuk membanjiri indra. Ikeda terkenal Pola pengujian [no.5] terdiri dari lima proyektor yang menerangi ruang lantai beberapa meter 28 panjang dan lebar delapan meter. Instalasi mengkonversi data (teks, suara, foto, dan film) ke dalam barcode dan pola biner dari nol dan satu. Oeuvre Ikeda juga mencakup satu pertunjukan malam, seperti datamatics [ver.2.0], versi terbaru dari konser audiovisual yang telah ia sajikan di beberapa tempat di seluruh dunia sejak 2006, mulai dari Zero1, San Jose, California, untuk ISEA 2006. Ikeda memeriksa dan menerapkan metode matematika dan ilmiah untuk membentuk musik, waktu dan ruang, menciptakan pengalaman yang memukau. Dia mengeksplorasi suara dan visi, mendekonstruksi properti fisik mereka untuk mengungkapkan hubungan kompleks yang terlibat dalam persepsi manusia. Akhirnya, Ikeda menguji potensi ekstrim teknologi digital, menantang ambang persepsi.
Takashi Murakami
Takashi Murakami adalah salah satu seniman kontemporer Jepang yang paling ikonik. Dari lukisan hingga pahatan skala besar dan kolaborasi mode, karya Murakami dipengaruhi oleh manga dan anime. Pendiri gerakan Superflat dan kolektif seniman Kaikai Kiki, Murakami telah mengembangkan dan mendukung karir banyak orang sezamannya. Istilah 'superflat' menggambarkan karakteristik estetik dari tradisi artistik Jepang, dan sifat budaya Jepang pasca-perang dan masyarakat. Tradisi meninggalkan warisan pencitraan dua dimensi yang datar, dengan penekanan pada bidang datar warna, yang telah diuraikan kembali dalam budaya kontemporer melalui manga dan anime. Jepang pasca perang juga mengalami 'perataan' perbedaan kelas sosial dan selera populer. Praktik Murakami sendiri melibatkan elemen pengemasan ulang yang biasanya dianggap 'rendah' atau sub-budaya dan menyajikannya di pasar seni dan fashion 'seni' yang tinggi. Provokatifnya My Loneome Cowboy (1998) dijual di Sotheby's New York untuk mencatat $ 15.2 juta di 2008. Selain karya seninya, Murakami telah bekerja sama dengan Marc Jacobs, Louis Vuitton, dan Issey Miyake.
Tatsuo Miyajima
Tatsuo Miyajima adalah seorang pematung dan seniman instalasi yang karya teknologinya yang tinggi menggunakan material kontemporer seperti sirkuit listrik, video, dan komputer, yang berpusat pada penggunaan gadget sejak 1980. Konsep-konsep artistik inti Miyajima menarik inspirasi dari ide-ide humanis dan ajaran Buddha. Penghitung LED dalam instalasinya terus menerus berkedip dalam pengulangan dari 1 ke 9, melambangkan perjalanan dari hidup ke mati, tetapi menghindari finalitas, yang diwakili oleh 0 dan tidak pernah muncul dalam karyanya. Angka-angka yang selalu hadir, disajikan dalam grid, menara, dan sirkuit mengungkapkan minatnya pada ide-ide kontinuitas, koneksi, keabadian, dan aliran waktu dan ruang. Baru-baru ini, karya Miyajima berjudul Panah Waktu (Hidup yang Belum Selesai) dipamerkan di pameran perdana Met Breuer, Belum selesai: Pikiran Kiri Terlihat di New York City.
Yayoi Kusama
Dengan karir yang mencengangkan selama tujuh dekade, Yayoi Kusama telah menjelajahi bidang lukisan, gambar, kolase, patung, pertunjukan, film, seni grafis, instalasi dan seni lingkungan, serta sastra, mode, dan desain produk. Kusama telah mengembangkan gaya seni polka dotted yang sangat khas, yang sejak itu menjadi ciri khasnya. Visi ilusi semacam itu adalah, bagi Kusama, hasil halusinasi yang telah ia alami sejak kecil, di mana dunia tampaknya ditutupi oleh bentuk-bentuk yang berkembang biak. Kusama telah mencakup seluruh ruangan dengan titik-titik penuh warna dan cermin 'tak terbatas' yang tanpa henti memantulkan bentuk-bentuk cahaya yang berwarna-warni.
Yoshitomo Nara
Yoshitomo Nara menciptakan lukisan, patung, dan gambar yang menggambarkan anak-anak dan anjing bermata lebar tanda tangannya - subjek yang mencoba menangkap rasa kebosanan dan frustrasi anak-anak, dan merebut kembali kemandirian alami yang ganas kepada anak-anak. Mengingatkan pada ilustrasi buku tradisional, estetikanya menyajikan ketegangan yang gelisah, sebagian dipengaruhi oleh kecintaan Nara pada punk rock. Judul karyanya adalah kesaksian ini, dari Gadis dengan Pisau di Sisi Her (1991) ke Diam Kekerasan (1998) Neurotik ke Tulang (1999), dan Tidak Ada (2000). Di 2011, Asia Society Museum di New York City mengadakan pameran tunggal pertamanya yang berjudul Yoshitomo Nara: Tidak ada yang Bodoh, yang terdiri dari pekerjaan yang mencakup karir 20 tahun seniman. Karya-karya di acara itu terkait erat dengan kepekaan subkultur pemuda di seluruh dunia, berfokus pada tema alienasi dan pemberontakan, khususnya dalam kaitannya dengan musik rock dan punk.
